Викторина «Я поведу тебя в музей»

«Смолянки»

Д. Левицкий в 1773 году получил от Екатерины II заказ на серию портретов воспитанниц Смольного института благородных девиц. Смольный институт – новое для России учебное заведение, в котором девушки из дворянских семей получали образование. Девочки изучали «правила воспитания, благонравия, обхождения и чистоты, российский и четыре иностранных языка, рисование, арифметику, танцевание, а также надлежащие особливо женскому полу упражнения и рукоделия». Затем прибавились история, география, физика, архитектура, токарное ремесло и домоводство. Девушки должны были стать самыми образованными дамами среди современниц.

Все девушки обучались музыке и пению. Кроме того, в институте был организован самодеятельный театр, на спектакли которого мечтали попасть многие жители Петербурга.  

Левицкий изобразил девушек в характерной для них обстановке: кто-то играет роль в спектакле, кто-то танцует или музицирует. А одна из них, Екатерина Молчанова, изображена в кресле, с книгой в руках, а перед ней – физические приборы. И девушка чувствует себя среди них уверенно и спокойно.

Серия портретов смолянок писалась в течение пяти лет. И сегодня они – драгоценнейшие полотна Русского музея.

Портрет Александры Петровны Струйской

О жизни художника Федора Рокотова известно немного. Неизвестна даже точная дата его рождения. Он родился в семье крепостных крестьян и вольную получил после того, как стал художником. В 1760-х гг. он стал одним из известнейших портретистов России. Он писал в строгой камерной манере. Минимум деталей, простой темный фон. Все внимание зрителей приковывает лицо модели. Эти лица очень разные, но все их объединяет одухотворенность. Рокотов умел в каждом, кто ему позировал, разглядеть глубину. Живые глаза моделей смотрят на нас то насмешливо, то грустно, то с мучительной тревогой. В них всегда есть, тайна, загадка неведомой нам жизни. Недаром у поэта Николая Заболоцкого родились строки, которые в равной мере можно отнести к многим рокотовским работам:  

«Соединенье двух загадок,
полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенье смертных мук».

В Русском музее находится несколько работ Федора Рокотова, среди них портреты А. М. Писаревой, Е. В. Санти, В. Н. Суровцевой.

Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898)

Уже в раннем своем творчестве Шишкин тяготел к пейзажу. В своем дневнике он записал: «Пейзажист – истинный художник, он чувствует глубже, чище…». В Русском музее можно увидеть такие полотна художника, как «Лесные дали», «Лесная глушь», «Дубы», «Ручей в березовом лесу», «Перед грозой» и, конечно, знаменитая «Корабельная роща». В этих картинах – монументальные образы русской природы, настоящим поэтом которой был Шишкин. Недаром после возвращения из пенсионерской поездки в Германию, где он жил некоторое время, он записал в дневнике: «Мой девиз? Быть русским. Да здравствует Россия!».

В Русском музее хранятся многие известные полотна И. И. Шишкина.

«Лесные дали» (1884)Источник: Русская живопись : история и шедевры / [отв. ред. Е. Давыдова]. — М. : Белый город, 2007. – С. 762.

«Дубы» Источник: Иван Шишкин : [альбом] / сост. В. Манин. — М. : Белый город, 2004. — С. 41.

«Корабельная роща» (1898)Источник: Государственный Русский музей.: альбом /сост. и авт. вст. статьи Н. Новоуспенский. – Москва, Ленинград: Советский художник, 1964. – Илл. 22.

 

И. Айвазовский «Девятый вал»

Иван Константинович Айвазовский (Ованнес Геворкович Айвазян)  (1817–1900) — один самых известных художников-маринистов. Главной темой его творчества всегда было море: море в бурю и в штиль, в разное время суток, кораблекрушения, морские сражения, прославляющие могущество русского флота. По виртуозному владению кистью, неутомимости и быстроте письма его не с кем сравнить. Огромное полотно Айвазовский создавал за два-три дня, мог работать в любых условиях. Его зрительная память была феноменальной. Среди зрелых работ художника нет ни одной, написанной с натуры. Он говорил: «Вдохновленный видом живописной местности при эффектном освещении или каким-нибудь моментом бури, я сохраняю воспоминание о нем на многие годы».

«Девятый вал» — это романтическая поэма о жизни и смерти. Картина была написана в 1850 г. на сложный и драматический сюжет, где между собой тесно переплетены красота бушующего моря и трагизм ситуации.

В стихотворении картина описана довольно верно. Главной темой ее стала борьба человека со стихией, показанная через совершенство и превосходство природы. Именно ей художник отдал первое место на своем полотне.

К. Брюллов «Последний день Помпеи»

Замысел картины возник у художника в 1827 году, когда Брюллов жил в Италии. Живописец работал над картиной более 5 лет. Официальным заказчиком картины был А. Демидов – промышленник, ученый, меценат. Однако с момента завершения работы над полотном оно воспринималось как национальное достояние. Демонстрация картины в Риме, Милане, Париже, Петербурге стала триумфом русской школы живописи. Новаторской в этой картине была не только блестящая живописная техника, но и цель – изобразить трагедию гибнущего народа, столкновение человека и стихии. На фоне гибнущего города жители его рвутся к спасению или безвольно покоряются судьбе. В них бедствие пробудило инстинкт и разум, любовь и героизм, алчность и самоотверженность.

Картина была привезена из Италии в Петербург и находилась сначала в Зимнем дворце (с августа 1834 г.), а затем — в Академии художеств (с весны 1835 г.) — для общего обозрения.

Под впечатлением от полотна А. С. Пушкин написал стихотворение:

Везувий зев открыл — дым хлынул клубом — пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется — с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождём, под воспалённым прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.

август—сентябрь 1834

Под первым черновиком стихотворения Пушкин набросал по памяти центральную группу картины — двух мужчин, несущих старца отца.

В Русском музее картина находится с момента его основания.

Это была выставка Василия Васильевича Верещагина.

В Русском музее хранится картина В. В. Верещагина «Шипка-Шейново. Скобелев под Шипкой», которая входит в так называемую Балканскую серию работ художника, посвященную русско-турецкой войне. На дальнем плане – войска, построенные для приветствия генерала М. Д. Скобелева. Но скачущий перед войсками генерал и его свита еле видны. На переднем плане, максимально приближенном к зрителю, художник жестоко и точно показывает истинное лицо войны – искалеченные, окровавленные тела погибших солдат. Смерть уравняла бывших врагов – русские и турки, павшие на поле боя, лежат рядом. В 1880 и 1883 годах балканская серия была выставлена Верещагиным в Петербурге. Успех выставки превзошел все ожидания. А картина «Скобелев под Шипкой» была повторена художником, и теперь картины находятся и в Русском музее в Санкт-Петербурге, и в Третьяковской галерее в Москве.

В.Верещагин. «Шипка-Шейново. Скобелев под Шипкой» Источник: Василий Васильевич Верещагин, 1842-1904 : [жизнь и творчество / авт. текста С. Королева]. — М. : Директ-Медиа, 2010. – С. 34.

Портрет В. В. ВерещагинаИсточник: Кудря, А. И. Верещагин / Аркадий Кудря. — М. : Молодая гвардия, 2010. – [1 вк.л.].

Картина «Сватовство майора»

Картина, написанная в 1850-52 гг, была творческим продолжением его поэмы «Поправка обстоятельств, или Женитьба майора». Она написана в 1846 году, в ней более тысячи стихотворных строк. По сатирической направленности и поэтическим особенностям поэма напоминает «Конька-горбунка» Ершова. В поэме Федотова рассказывается, как некий незадачливый майор решает поправить свои дела выгодной женитьбой. Он посылает денщика за свахой Панкратьевной, давая ему подробные наставления, как пустить пыль в глаза и обделать дельце повыгоднее.

Картины появилась на академической выставке в 1849 году. Зрители увидели рассказанную художником распространенную тогда историю о разорившемся офицере, который, чтобы поправить свои финансовые дела, сватается к дочери купца, добивающегося, в свою очередь, сближения с аристократией.

Н. С. Пименов «Статуя играющего в бабки»

1836 год стал событием в истории русской скульптуры. На очередной выставке в Академии художеств появились два произведения с необычной для того времени тематикой:  статуи изображали сценки из народной жизни. Это были работы молодых скульпторов Н.С. Пименова «Парень, играющий в бабки» и А.В. Логановского «Парень, играющий в свайку». Почетный гость выставки А.С. Пушкин оценил новизну содержания работ и непосредственность  в передаче образов юношей, сказав: «Слава Богу, наконец, и скульптура в России явилась народной». При этом молниеносно отреагировал на понравившиеся ему статуи, сделав точную и меткую их характеристику  в двух четверостишиях подметив характерные позы и движения простых русских парней. 

Пименов решил образ крестьянского юноши с реалистической убедительностью, живо и непринужденно передавая разворот его сильной, с развитыми мышцами фигуры в пространстве и точный жест правой руки, приготовившейся к метанию кости.

«Парень, играющий с бабки»Источник: Доронина, Л. Н. Мастера русской скульптуры XVIII — XX веков / Л. Н. Доронина. — Т. 1: Скульптура XVIII-XIX веков. — М. : Белый город, 2008. – С. 263.

Павел Петрович Соколов (1764-1835)

«Памятник Петру I», или «Медный всадник» работы Э. Фальконе

Анн-Мари Колло была ученицей Э. Фальконе и приехала с ним в Петербург по приглашению Екатерины II. Именно ей приписывают создание головы для памятника Петру I. По легенде, Фальконе уже вылепил фигуру коня и всадника, но ему никак не удавалось «поймать» нужное выражение энергии и неукротимости, задуманное для головы памятника. Тогда на помощь учителю пришла А.-М. Колло, которая, несмотря на юный возраст, уже прославилась как талантливая портретистка. Она очень быстро вылепила голову Петра I, которая оказалась столь удачной, что Фальконе использовал ее для «Медного всадника».

Фотоаппарат

В письме к К. И. Чуковскому 29 апр. (по новому стилю)1926 г. он писал:

И совершенно верно, Вы ставите, что меньше всего исканий было в моей карт[ине] «Госуд[арственный] Совет». Вы прозорливы!!! Ведь со мною был «кодак», положим – плохой, и только перед тем «Советом» Н. Б. Нордман дала мне необходимые советы – как обходиться при снятии: фото[графия] вышла очень плохая, но суть, суть – все же вышла настолько, что можно было воспользоваться – это уже счастье. Когда в Совете сидел Государь; и я щелкнул, и получился центр картины с натуры. Это особое счастье. Что же еще искать? Реалисту получить требуемый снимок!!! Хотя и плохой, неясный… Но ведь суть, суть дорога: ведь это летопись!.. – Никакие искания не заменят такого материала, и я благодарю Бога за это счастие!!!».

«Витязь на распутье»

В творчестве В. М. Васнецова былинная тема, начатая картиной «После побоища Игоря Святославовича с половцами», имела очень большое значение. Она была продолжена целой серией картин, главным героем которых становится богатырь-витязь. Первая работа , акварель «Богатырь», написанная в 1870 г., — воин, восседающий на коне и смотрящий вдаль, — стала предпосылкой для появления одной из самых значительных работ Васнецова «Витязь на распутье». В основе картины лежит былина «Илья Муромец и разбойники», но обращение к литературному источнику – всего лишь повод подумать над извечным русским вопросом «что делать?». В России 1870-х гг. проблема выбора была особенно актуальной – идеи народничества стали уже изживать себя, а путь насилия, терроризма не мог быть одобрен обществом. В более узком смысле сюжет выражал поиски самим Васнецовым своей дороги в искусстве.

Второй вариант картины, написанный через несколько лет, несколько отличался от первого. Увеличился размер холста, фигура воина приобрела монументальность. Мы не видим его лица, все внимание сосредоточено на камне с пророчеством, на котором видна лишь первая, гибельная часть фразы: «Как прямо ехати – живу не бывати – нет пути ни прохожему, ни проезжему, ни пролетному». Если мы приглядимся повнимательнее, то увидим, что перед витязем … никакой дороги нет. Что это? Грустная ирония автора над бесполезностью русского народа найти правильный путь? Но в былине говорится, что богатырь, не побоявшийся грозного предупреждения, сумел переломить судьбу и выйти победителем из всех испытаний. А это вселяет в зрителя оптимизм.

В. Васнецов «Витязь на распутье»Источник: Васнецова, О. А. Васнецовщина : [история рода Васнецовых] / О. Васнецова. — М., РИП-холдинг, 2019. – С. 186.

Каждое полотно написано двумя художниками

Картина «Прощание Пушкина с морем» написана художниками И. Айвазовским и И. Репиным. Вот как И. Е. Репин прокомментировал свою роль в создании полотна: «Дивное море написал Айвазовский… И я удостоился намалевать там фигурку».

Из письма Константина Савицкого родственникам жены: «Затеял я как-то картину с медведями в лесу, приохотился к ней И. И. Шишкин – он взял на себя исполнение пейзажа. Картина вытенцевалась, и в лице Третьякова нашелся покупатель. …Но вот дележка-то эта приключилась с какими-то курьезными запинками. Настолько курьезными и неожиданными, что я отказался даже от всякого участия в этой картине, выставлена она под именем Ш. – она и в каталоге значится такою…».

Из этого письма понятно, что сюжет картины подсказал Шишкину художник К. Савицкий. Он же написал медведей в этой картине. Медведи получились столь удачны, что Савицкий даже расписался вместе с Шишкиным на картине. Однако же, когда картину приобрел известный коллекционер П. М. Третьяков, он снял эту подпись, мотивируя свое решение тем, что «в картине все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственным именно Шишкину».

Об этой истории можно прочитать в кн.: Евстратова Е. Н., Айвазовский, Шишкин, Левитан: мастера русского пейзажа / Е. Н. Евстратова. — М.: Абрис, 2019. — 253, [2] с. (Сокровища живописи).